Macintosh Plus / Floral Shoppe

(2011, Beer On The Rug Records)
(gen: experimental)

8.1

Yo he oído cosas raras en mi vida, pero el día que descubrí la existencia del género vaporwave alcancé un nivel desconocido, que a día de hoy no tengo muy claro si amo o detesto. Lo cierto es que con Floral Shoppe, obra de la música electrónica norteamericana Ramona Xavier bajo el pseudónimo de Macintosh Plus, no puedo evitar una sonrisa al oír la voz ralentizada de Sade en el primer corte del disco. Si se indaga un poco, esto del vaporwave en realidad surgió como una broma en foros de internet, pero lo cierto es que artísticamente puede tener una lectura algo más interesante si se ahonda en el objetivo de los creadores de contenido. La supuesta intención del vaporwave es descomponer la cultura popular capitalista contemporánea, despiezarla, destriparla, hacer tétricos Frankesteins con ella, y crear una especie de crítica a la cultura del consumo que ha absorbido a artes tan trascendentales como la música. La mencionada Sade o Diana Ross son objetivo de Ramona Xavier en este Floral Shoppe, en el que entendemos que algún tipo de inteligencia artificial mezcla del virus extraterrestre de la película Virus (1999) y el Skynet de Terminator ha generado "caóticos" collages con temas pop de los 70,80,90 y 2000, donde tan aleatorios son los samples y los sonidos como los títulos de los cortes (por cierto, todos en japonés). El resultado queda, para sorpresa de los escépticos, lejos de lo caótico (por eso antes lo entrecomillaba): curiosamente Floral Shoppe tiene dinamismo, encaja, suena bien.

リサフランク420 / 現代のコンピュー https://youtu.be/cU8HrO7XuiE
ブート https://youtu.be/ZJrmzPavcDo

Sam Smith / In The Lonely Hour

(2014, Capitol/Method Records)
(gen: rock/soul)

7.2

El primer disco del británico Sam Smith es una interesante apertura a la visión de este sentido músico del amor y las prioridades modernas. Arrancando con el animado "Money On My Mind", Sam nos relata sus ambiciones al entrar en el negocio de la música, y si bien las deliciosas recompensas materiales del éxito podrían ser un atractivo poderoso para su elección profesional, el potencial de convertirse en ídolo para sus seguidoras nos desvela un toque picarón y muy bribonzuelo por su parte (obvio, el 99% de los que se dedican a esto lo hacen para ligar, y el 1% restante miente si dice que, al menos, no lo ha pensado alguna vez).

La popular "Stay With Me" destaca más por su éxito comercial que por sus cualidades compositivas: una balada bastante sencilla líricamente, sobre la desesperación, las rupturas y las dependencias mutuas. El corte "I'm Not The Only One" consolida a Sam Smith como un cantante al que incluir bajo nuestro radar musical a largo plazo, dando muestra de su talento como escritor de temas soul que, sonando indiscutiblemente originales y adheribles al género, aportan matices contemporáneos y muy personales. "I'm Not The Only One" es la historia clásica de las falsas apariencias y los engaños, en la que aunque nuestro instinto nos dice que la otra persona no está siendo sincera con nosotros, nuestra razón nos vuelve inseguros al respecto y nos obliga a dilatar una situación que, negándonos a verlo, nos destruye por dentro. Por eso, el mensaje último de este corte nos invita a seguir siempre a nuestra voz más interior, aquella que nace del pecho y no de la cabeza.

I'm Not The Only One https://youtu.be/nCkpzqqog4k

Beyoncé / Beyoncé

(2013, Parkwood/Columbia)
(gen: r&b)

7.9

Afirmar que la quinta entrega de estudio de la diva norteamericana es su cima creativa es, quizás, ir demasiado lejos (aunque muy probablemente al hacerlo no faltemos a la verdad). Lo que sí que se puede gritar a los cuatro vientos sin duda es que el LP autotitulado que vio la luz en 2013 es el mayor exponente de exploración (y sobrepaso) de los límites artísticos de la cantante de Houston. Un LP tan denso como rico en matices y ritmos que abarca todas las tonalidades posibles de la lucha femenina, romántica y profesional de todo un mito musical, cultural y estético como Bé. Abriendo con "Pretty Hurts" como pisotón con el que llamar la atención, nos adentramos en 1 hora y pico de autobiografía ("Haunted" es el corte más relevante en lo puramente musical por su experimentación, con unos giros de percusión jamás imaginables en la obra de Knowles) y, sobretodo, superación personal, como en "Drunk In Love", un mastodonte electrónico en el que aprenderemos los riesgos derivados de la combinación de atracción romántica, hormonas y "sustancias disruptoras de la razón". Por supuesto, una lectura más elevada de "Drunk In Love" daría como resultado una interpretación contra el amor abusivo, los malos tratos, el cambio de roles de género en tiempos modernos y toda esa propaganda que, en momentos como éstos en los que a dichos asuntos tan serios se les da un trato más político que evolutivo, se percibe aquí, en cambio, como una lucha sincera de la artista como Mujer en última instancia. Es este hecho el que convierte a los 5 minutos y medio de "Drunk In Love" en los más importantes hasta la fecha de la discografía de Beyoncé, y no solo por su contenido sino además por su intrincada forma. "Blow", en mi opinión, sobra en el álbum: un tema setentero, disco, muy neo-Motown, plagado de sexualidad, que quizás iría bien en algún disco de la difunta Britney Spears. "Jealous" es un tema especial para mí, porque me retrae a las sesiones de I Am Sasha Fierce, aquél disco en el que conocimos, además de la faceta más guerrera de Beyoncé, a la más dulce, melosa e íntima, de la que yo me enamoré perdidamente (como todos). "Jealous" ahonda nuevamente en las relaciones exigentes y desequilibradas, convirtiéndose en un tema-consejo dedicado a todas las chicas (o chicos, da igual, recordad el tema "If I Were A Boy", al que, por cierto, se hace referencia, si se sabe entreleer, en las letras de "Jealous": <<Sometimes I want to walk in your shoes>>) en plena adolescencia y necesitados/as de probar nuevas experiencias sentimentales. El genial "Superpower", un dueto junto a Frank Ocean, es otra prueba de como convertir lo que de otra forma sería un disco R&B irritante en una muestra interesante de reflexión: el uso del léxico, cuando se hace teniendo en mente la idea de transmitir imágenes muy concretas, implanta conceptos en cabezas ajenas mejor que el libro más técnico o la explicación de profesor más correcta y fría. "Superpower" habla de la ausencia de fronteras para el amor y explica cómo una pareja puede enfrentarse literalmente a todo cuando ambas piezas se convierten en un sólo ente. Es un corte extraño del disco, pero por enigmático se vuelve interesante... al igual que el álbum entero.

Drunk In Love https://youtu.be/p1JPKLa-Ofc

George Michael / Faith

(1987, Columbia/Epic)
(gen: rock)

9.4

Tras una década de auténtica locura gracias al fenómeno Wham!, un George Michael de 24 años dejaba atrás la adolescencia de estrella que les trajo tanto a él como a su colega Andrew Ridgeley grandes éxitos como Wake Me Up Before You Go Go o Last Christmas. Era el momento de explorar nuevos caminos más maduros, más serios y más elevados, algo que ya había dejado entrever con canciones como la sublime Everything She Wants o la perfecta A Different Corner. Faith vería la luz en 1987 para convertirse en uno de los discos más vendidos de la historia, con 25 millones de copias. Dispensador de himnos como "Father Figure" o la picante "I Want Your Sex", este Faith se desenvolvería generalmente entorno al amor pasional y complejo (algo sobre lo que George aprendería mucho en los años siguientes, por desgracia a través del dolor y la pérdida). Con una producción impoluta, canciones como "Faith" o "Father Figure" ahondan en el perfeccionamiento de la imagen del moderno caballero, atrevido y seductor a la vez que elegante y respetuoso, que sabe cuáles son sus metas y cómo conseguirlas al forzar los límites en el campo del amor. Me encanta ser un capullo con las grandes obras del pop comercial, pero con Faith me es difícil/imposible encontrar malas palabras: tomemos "One More Try" como ejemplo de delicadeza compositiva en el que el sintetizador se refugia bajo el manto de ruido blanco (puro sonido vinilo en los primeros días del CD) y la batería subraya frases como <There are things that I don't want to learn, and the last one I had, made me cry> en una pura oda a las derrotas románticas. En términos líricos, sin embargo, la sobredosis de maestría viene de la mano de "Hand To Mouth", el corte más profundo e importante de la carrera del músico inglés de ascendencia griega. "Hand To Mouth" es una midtempo de las que, rítmicamente, más se asemeja al trabajo que Michael presentaría durante los posteriores años noventa. Líricamente, el cantante habla sobre la injusticia social en America (y, por extensión, occidente) a través de breves relatos que abarcan desde un atraco sangriento a un banco por parte de un vagabundo hasta la desgarradora historia de una madre que, con tanta pobreza material como amor por su recién nacido, sólo encuentra el respaldo del dinero a través de la prostitución. En definitiva una reflexión sobre el descalabro del envenenado sueño americano. George consigue evocar con puntería sobrehumana las imágenes tras cada una de las historias que emplea como ejemplo hasta concluir con un esperanzador <So with empty hands I pray, and I tell myself, one day they just might see me>, refiriéndose a la diosa fortuna, y recurriendo a la "fe" como no podía ser de otra manera en este álbum.

Hand To Mouth https://youtu.be/ArgTMM0NBbE
Kissing A Fool https://youtu.be/hhmj6Gm-6Do
Faith https://youtu.be/lu3VTngm1F0

Muse / Drones

(2015, Warner Bros)
(gen: rock)

7.0

La última entrega de Muse da un giro extra de tuerca a su espíritu de animal político, un giro quizás demasiado forzado... Drones es la enésima actualización de software a la crítica ácida de los de Matt Bellamy a la tecnoestructura gubernamental y a la pirámide de valores occidental, con "Dead Inside" como ejemplo de esto último (una referencia a la desaparición de la solidaridad). "Reapers" es seguramente el plato fuerte de Drones, con todo su odio hacia la tecnología de guerra, la difunta privacidad en la era digital y el sádico manejo del poder por las élites. Compositivamente un buen corte, pero poco original dentro de la trayectoria del grupo. Los cuatro últimos temas de este normalísimo Drones sí que muestran una clara tendencia hacia la experimentación, y como quien margina a sus hijos extraños a un rincón del sótano, "Revolt", "Aftermath", la pseudoteatral "The Globalist" y "Drones" cierran el LP con un enfoque menos centrado en el puro comentario revolucionario y más sobre el lado trascendental, casi espiritual, de todo este turbio asunto de la guerra digital encubierta y la realidad virtual en que nuestra vida 4G se ha convertido.

Reapers https://youtu.be/gcNEC9NaJuE

Pink Floyd / The Dark Side Of The Moon

(1973, Harvest Records)
(gen: rock)

10

De la religión del rock progresivo, donde los dioses son Pink Floyd, el santo grial es The Dark Side Of The Moon: palabra del señor. Con una portada convertida en icono intergeneracional de la forma más trascendente de entender la música, este clásico juega con la mente de quien lo escucha e inserta en ella un vaivén de ideas que absorbe y teletransporta a la conciencia en un viaje extraño, tenso, como el "Speak To Me" que abre el LP. "Breathe (In the Air)" es el cartel que a la entrada de esta atracción nos intenta tranquilizar, consiguiendo justo lo contrario. "On The Run" es el despegue, la bajada de la barra de seguridad y el comienzo de la montaña rusa que, de menos a más, acelera y deconstruye la realidad percibida y nos la lanza por partes, como si de una obra de pintura abstracta se tratase. De pronto, "Time": la oda angustiada al aburrimiento, al vacío de la vida, al absurdo estrés y a la irritante casualidad del destino que nos ocupa cuando más cansados estamos y nos libera cuando más enérgicos nos sentimos (era ya intensito el post-modernismo de 1973). The Dark Side Of The Moon es en realidad una meditación simplista del cuarteto Gilmour/Mason/Wright/Waters sobre diversos aspectos de la naturaleza humana que, analizados de una forma poco cerebral pero con el lenguaje de verdaderos filólogos, poetas, resultan incómodamente irremediables. Dicha meditación continúa en, para mí, uno de los cortes más litúrgicos de la banda (con permiso de Wish You Were Here): "Us And Them", la referencia al lado competitivo, egoísta e infantil del ser humano que ni sabe ni quiere reconocer sus errores. Evidentemente el momento más político de The Dark Side Of The Moon porque de esa faceta humana nace precisamente el sentir político y reivindicativo (es aquí donde Pink Floyd da un salto más en su genialidad y no sólo extrae deducciones metafísicas del estado actual de la humanidad, sino que las contextualiza en la propia historia del ser humano... y ¡boom! explosión cerebral).

Al margen del asunto histórico/político cantado en "Us And Them", está también el tema social y de valores que, además de actual hoy día, lo era cuando estos ingleses componían este disco: la creciente incertidumbre, el miedo y la desconfianza de todo y todos. Un mix de odio y miedo que, sin darnos cuenta, nos ocupa toda la vida.

David Bowie / Lodger

(1979, RCA)
(gen: rock)

8.8

La última entrega de la trilogía Berlín muestra un ligero retazo de hacia donde se dirigiría David Bowie en la siguiente década. Sin abandonar los muros del art rock en términos líricos, Lodger muestra a un Bowie más cercano al rock comercial, a las grandes melodías y los estribillos medianamente comunes. La genial "Look Back In Anger" no suena a nada que Bowie hubiese brindado con anterioridad: una antiheroica historia de arrepentimiento y revelación divina que, durante la muerte, nos descubre lo desalmados que hemos sido en nuestra vida aunque hayamos luchado por conducirnos por los caminos de la moral y la corrección. Una inteligente metáfora sobre el conflicto entre el alma y la carne humanas.

La divertida "Yassassin", con su sonido añejo pero bien conservado, habla sobre la tolerancia mientras que la pseudo-disco "D.J." en la que Bowie recurre a la música como analgésico frente a la perra vida trabajadora, en un guiño a la dura vida urbana de finales de los setenta. Lodger, uno de los discos más injustamente infravalorados de David (no solo en opinión mía, sino en la de muchos), que aúna ritmos atractivos con letras comprometidas y, sin rallar en lo pedante, ciertamente cerebrales.

D.J. https://youtu.be/QgPUxjQOk-w

Tin Machine

TIN MACHINE I (1989, EMI)
6.5

TIN MACHINE II (1991, Victory Music)
7.5

(gen: rock)

Tras la desastrosa etapa artística que tanta mella hizo en el alma de David Bowie a finales de los 80, culpa de un Never Let Me Down que brindó lo peor de la carrera del cantante, estaba claro que un punto de inflexión creativo era imprescindible para no ver caer al Duque Blanco en un pozo que supondría el final de su carrera. Por eso, en un acto de regeneración artística, el británico se alió con el guitarrista Reeves Gabrels y los hermanos Sales (Tony como bajista y Hunt como batería). Este nuevo grupo a través del cual Bowie esperaba reconectar con sus musas pasadas como quien se arrastra tras una ex-novia que lo era todo, pasó a denominarse Tin Machine. Las pretensiones del grupo estaban claras: sonido rock duro, letras comprometidas y una atmósfera que hoy, décadas después, se considera ampliamente vanguardista teniendo en cuenta cuáles serían los derroteros posteriores del hard rock durante los noventa. La primera entrega de la banda hizo evidente la inmejorable compenetración entre sus miembros, y si bien como álbum estamos ante un trabajo demasiado largo y, hacia su mitad, monótono, se salvan con mucho cortes como "Heaven's In Here", la elegante y ecléctica "Baby Can Dance" o las politizadas "Crack City" y "I Can't Read". Sin embargo esta asociación de músicos veteranos demostraría todo su potencial en su segundo LP, Tin Machine II: una sobredosis de elegancia (antesala del Black Tie White Noise que Bowie presentaría en solitario en 1993) que se hace patente en la acelerada "Baby Universal" (extremadamente importante dentro de la carrera de David a partir de este momento), la tensa "Betty Wrong" o la reivindicativa "Shopping For Girls". Por supuesto todas palidecen ante lo que no solo es obviamente lo mejor y más brutal de Tin Machine, sino probablemente la cima del David Bowie de los años noventa y la raíz estilística del rock progresivo de los noventa gracias a sus melodías oscuras y enigmáticas y sus letras minimalistas: "You Belong In Rock and Roll" es, injustamente, uno de los cortes más infravalorados de cuantos se han producido en los últimos 30 años.

You Belong In Rock'n'Roll https://youtu.be/Ok5A8VoOMis

Alphaville / Forever Young

(1984, Warner/Atlantic)
(gen: rock)

8.1

Entre algodones, así tenían a los oídos de su público los grandes del New Wave de los 80. La delicadeza, la suavidad de las texturas y la elegancia del sonido de esta corriente, que introducía a los novedosos sintetizadores como una parte más de su ADN, no se han visto superadas posteriormente por ningún otro género musical. Y aunque las estructuras a veces pecaban de simpleza y las letras erraban en un camino sinuoso entre lo sin sentido y lo melos, de vez en cuando aparecían grupos como Alphaville, que despachando un LP tan sedoso como este gran Forever Young, hacían las delicias de los amantes de las letras minimalistas que, sin hacer hervir los cerebros en reflexiones profundas, evocaban escenas con la misma maestría que los grandes poetas escritos de la historia.

La banda de origen alemán estaba (y está, pues sigue en activo) encabezada por el cantante Marian Gold y, en su Forever Young presentaba grandes himnos imborrables de la mente colectiva como el corte titulado igual que el disco, "Forever Young", una angelical oda synthpop a la arcadia feliz en la que el ser humano ha querido siempre convertir al mundo, un lugar sin guerras, donde la vida es para siempre y la vida no se diferencia del paraíso que nos han vendido las religiones. En cierto modo es una invitación a no menospreciar Esos Pequeños Momentos en los que llegamos a flotar sobre nuestra particular y efímera pero intensa parcela de felicidad suprema. La divertida "Big In Japan" es una irreverente sátira de la fama y la exaltación de las nuevas estrellas, mientras que "Sounds Like A Melody" juega con la tensión en los ritmos para definir los altibajos del amor en lo que es una de las baladas más extrañas (y bellas) de la historia del rock, y una de las más infravaloradas también, por supuesto.

Forever Young https://youtu.be/t1TcDHrkQYg

Bon Jovi / Burning Bridges

(2015, Mercury Records)
(gen: rock)

2.4

Grupos de la talla del liderado por Jon Bon Jovi no pueden permitirse, aunque sea por un arrebato de ego artístico desmedido, faltar al respeto al público y, sobre todo a sus fans, con un discucho como este Burning Bridges con el que dan la patada a su legendaria discográfica tras conflictos económicos entre la empresa y la banda. A excepción de un insulso "We Don't Run" o de "We All Fall Down", pura basura.

Daft Punk / Discovery

(2001, Virgin)
(gen: electrónica)

9.7

A ver si logro haceros entender lo importante que es este disco: si en el siglo XXI existe la distincion más clara entre buen y mal gusto musical de la historia es gracias a Discovery. Eso es así porque en una era donde la toma de poder por la música electrónica es absoluta, no todo vale. Los ritmos machachones y sencillos no caben en la obra maestra de Daft Punk, donde si que caben conceptos como el amor, el atesoramiento de la juventud o la fuerza para superar los retos mientras que el dúo frances lo baña todo en estructuras complejas como nunca se había visto (ni se han visto después) en el house ni en el pop en general. Los efectos vocales están comedidos para encontrar el equilibrio perfecto, como en la brutal "One More Time", mientras que la combinación de sonidos nuevos con los clásicos toma a "Aerodynamic". Con una pobre y ennervante "Superheroes" como único punto flaco, este Discovery cuenta con momentos como la experimental y armoniosa "Veridis Quo" o la enérgica y electrodiscotequera "Crescendolls" que consolidan a Daft Punk como reyes indiscutibles del género. Por encima de todas ellas se encuentra un clásico, una de las mejores canciones de la historia, un espasmo cerebral masivo a favor de la fuerza y la constancia humana, titulado "Harder, Better, Faster, Stronger": todo un recital de adjetivos que no hacen más que describir el éxito y el camino a obtenerlo, sin detenerse a remolonear en que la canción en sí mismo es todo un exponente de ese éxito al que mucho aspiramos.

Madonna / Confessions On A Dance Floor

(2005, Warner Bros)
(gen: dance)

7.4

Madonna, siempre tan polifacetica como polémica, sabe aprovechar su posición en el espacio y el tiempo para explotar al máximo sus cualidades y, tras unos años noventa de sexualidad exarcebada y unos 2000 en su faceta más electrónica, llegaba Confessions con una mezcla entre repaso de su propia trayectoria y gritos de ¡eh, aún me siento joven!. Prueba de ello es la imagen de la artista durante la promoción de este disco: poses provocativas, videos moviditos y una actitud, aunque descarada, firmemente respetable como progreso en su carrera musical, algo remotamente alejado de la lamentable estampa de abuela salidorra que proyecta la norteamericana de cinco años a esta parte, lo que para un servidor ha servido como lápida inamovible a su credibilidad artística (obvio que a esa "marca" de madura pervertida fuera de lugar se suman unos últimos discos aburridos, artificiales e insufribles).

Hablando un poco de Confessions, ahí están "Hung Up", con su sample de ABBA y sus letras sobre la decisión y el lanzarse al vacío, "Sorry" con sus historietas de estrella que lo ha vivido todo y sabe de qué pie cojea cada uno, o la ritmica "Jump", el corte más animado del disco. Al alma electrónica que define el estilo de este disco se le suman letras que, no estando entre lo peor de la cantante, definen muy bien lo que Madonna siente al mirar atrás a sus años de loca loca juventud.

Jump https://youtu.be/Rx0mYN32Kps

Radiohead / Hail To The Thief

(2003, Parlophone)
(gen: rock)

8.3

En cierto modo Radiohead nunca ha dejado de ser una banda con alto contenido político. Kid A fue una pancarta política contra la alienación del nuevo modo de vida digital, si bien sus preceptos eran difíciles de absorber debido al alto cripticiscmo que rodeaba a todo el álbum. OK Computer era todo un mazazo antiglobalización y antitecnificación, una distópica reflexión sobre la pérdida del carácter humano de las cosas y de la superficialización extrema de la sociedad con el objetivo de alejarla de cuestiones trascendentales. Sin embargo, ambos discos (sin duda la cumbre de la historia del grupo) estructuraban su crítica en una forma demasiado abstracta, metafísica. Hail To The Thief en cambio era un salto a la yugular del occidente neoconservador, belicista, apático en lo moral, ansioso de beneficios cortoplacistas y placeres personales de la más baja complejidad. En cierto modo Hail To The Thief fue un intento de devolvernos a la realidad que habíamos dejado de lado tras el 11-S, el atentado que entumeció la mente colectiva que, si no tenía poco con los cambios tecnológicos, el problema de la burbuja punto com, la desigualdad y todo el trastorno emocional del cambio de milenio, ahora se enfrentaba también a un supuesto enemigo con turbante en un desierto lejano del que nadie sabía nada, ni siquiera quienes supuestamente manejan los hilos. "2+2=5" es el tema que abre este disco, el martillazo directo a los dientes de quienes se tragaron las excusas gubernamentales para invadir Irak y ser racista (ésta es una opinión de Radiohead), mientras que "There, There" se erige como una oda a la incertidumbre, en todos los aspectos, de los nuevos tiempos. Hail To The Thief es, desde The Bends (1995) y seguramente superando a éste, el disco más rock en términos puros de Radiohead, lo cuál no quiere decir, como siempre con esta banda, que no quepa hueco a la experimentación: "A Punchup At A Wedding" es la rabia contenida del pasivo agresivo que desconfía de todos y de todo en un midtempo genuinamente presidido por el piano en detrimento de la guitarra que protagoniza la mayor parte del álbum. "Myxomatosis" es otro momento de libre albedrío creativo de efectos electrónicos y distorsión sobre los que Thom Yorke habla de la prensa contemporánea como si de un verdadero parásito cerebral se tratase, y es que en la locura politicosocialterroristoeconómica de la primera mitad de los 2000, el papel que jugaba la prensa no sólo fue decisivo a nivel global, sino que desembocó en algunas de las peores decisiones a nivel moral de la mente colectiva de la historia.

2+2=5 https://youtu.be/lstDdzedgcE
Myxomatosis https://youtu.be/JERwz_sRMk4
A Punchup At a Wedding https://youtu.be/6Vl02g8O-KQ

The Killers / Hot Fuss

(2004, Island Records)
(gen: rock)

7.1

Escuchando de nuevo el primer disco de The Killers uno piensa: ¿cómo una banda capaz de hacer un disco como Day & Age puede tener un comienzo tan mediocremente creído?

Es cierto, si volvéis a conectar con Hot Fuss veréis como desde el primer momento un grupo que en aquel momento no era nada, entra a matar de lleno como si ya se supiesen más grandes que los Beatles. Ahí está la vacía "Jenny Was A Friend Of Mine", seguida de "Mr. Brightside", que para ser la segunda canción que el mundo entero ha oído de ti ya transmite cansancio por tu parte, como si emprendieses la búsqueda de la autocomplacencia en un pobre sonido rock estándar. Llegas a "Smile Like You Mean It" y parece que desde el segundo cero de Hot Fuss estás acelerando (aquí incluso se permiten ponerse melancólicos y maduros, mirando a un pasado que aún no ha ocurrido). Llegados a este punto parece que a alguien le salta la alarma interior y, a raíz de "All These Things That I've Done", Brandon Flowers da un volantazo y encarrila la historia hacia un momento más discreto, algo reflexivo, en el que se medita sobre la metamorfosis de las emociones a lo largo de las diferentes edades de uno y la toma, con la madurez, de una conciencia social más alejada del típico egoísmo juvenil. La fantástica "Andy, You're A Star" es la clave experimental de Hot Fuss para la que pido, ahora sí por fin un aplauso: una crítica a la megalomanía inducida en las estrellas modernas gracias al marketing, la publicidad y la excesiva adoración, todo expresado en letras mínimamente expresivas pero cargadas de munición hasta las cejas.

Hot Fuss es un intento de empezar la casa por el tejado que acaba convirtiéndose en una experiencia de la que aprender y en un éxito a la vez, reflejo de la nueva cultura del triunfo rápido y la falta de paciencia que conduce a satisfacciones momentáneas y escasa sabiduría.

All These Things That I've Done https://youtu.be/sZTpLvsYYHw
Andy, You're A Star https://youtu.be/yQtXxgAAXEk

Beach House / Devotion

(2008, Carpark Records)
(gen: rock)

7.4

El segundo trabajo del dúo Legrand-Scally trajo un sonido menos oscuro (no mucho menos, la verdad, sino perderían su encanto) que su predecesor y una visión del romance quizás menos pesimista... a simple vista. Lo que no se perdía desde el primer momento en cambio era esa sensación constante de angustia a causa del incesante vacío que el supuesto amor verdadero no es capaz de llenar. "Wedding Bell" abre el LP como una máscara de ilusión sobre una cara que se sabe muy lejos de la sonrisa sincera. La confirmación de este hecho llega en "Gila", y sin querer dejar de hablar de mascaras, es precisamente en este tema donde la amargada mitad de la pareja desmonta el circo de fachadas repletas de cortesía con las que en mala hora conquistó el corazón de la narradora, quien nos invita a conocer realmente bien a una persona antes de dar el gran paso, ya que aunque para ella y su futuro hijo sea demasiado tarde, aún hay esperanza para nosotros los libres.

Gila https://youtu.be/pFxdDE0k1_Q

Animal Collective / Strawberry Jam

(2007, Domino Records)
(gen: experimental)

9.4

En el álbum más loco, salvaje y a la vez profundo que jamás se ha creado, los de Baltimore contaban en 2007 como la vida nos viene grande cuando maduramos y somos conscientes de todas las exigencias que la vida social y profesional nos arroja sin piedad. Strawberry Jam es un carrusel extremo de sensaciones y momentos aislados que juntos componen la sinfonía propia de la locura que caracteriza a la adultez. "Peacebone" es un psicopático mensaje de esperanza para todos aquellos inseguros abandonados por Cupido, a los que se trata de convencer de que en algún lugar del mundo está nuestra media naranja, tan rara y extraña como encantadora y singular como nosotros, esperando encontrarnos más pronto que tarde. "Unsolved Mysteries" es la parodia de los problemas humanos, la sátira de nuestra propia carrera por solventar nuestros quebraderos de cabeza de la misma forma que los conejos corren tras una zanahoria pegada a su cabeza. El mensaje clave llega en el momento en que se nos hace ver que al otro lado del muro que día a día tratamos de saltar tan sólo se encuentra la paz eterna, y por eso el mensaje de Portner es: eh, tranquilo, al final del viaje sólo está la muerte, así que limítate a disfrutar del camino".

Bajo un cielo más íntimo, "For Reverend Green" remata la idea vitalista de "Unsolved Mysteries" añadiendo una aclaración que pocas veces tomamos en consideración, y es que lo que nos depara el futuro es tan incierto que, de no disfrutar el presente y las oportunidades que éste nos brinda y que son irrepetibles, estaríamos cometiendo un pecado imperdonable. Siendo difícil para una canción destacar entre tantos grandes momentos en este cuaderno de apuntes que es Strawberry Jam, "Fireworks" lo consigue y se erige como elemento central del trabajo de Animal Collective. Con una percusión siempre al borde de la ruptura pero con un ritmo moderado, estamos en el tono adecuado para hablar de lo infravalorado que tenemos a los pequeños momentos que construyen lo que los humanos definimos como la verdadera felicidad, frente a lo sobrevalorado que tenemos a la rutina, las obligaciones y las ralladas mentales. Si fuésemos capaces de dar la vuelta a ese equilibrio de la forma en que estos norteamericanos nos cantan en este profundo tema, la naturalidad con la que las sonrisas brotarían de nuestras caras dejaría pasmado al otro lado de nuestra persona, al Yo antipático y aburridamente maduro, responsable y cerebral.

Sonoramente siempre he creído que Animal Collective es, pese a su espíritu electrónico (mayormente en los últimos trabajos de la banda), una de las formaciones con el sonido más orgánico de cuantas han existido: si uno afina sus cinco sentidos mientras oye el trabajo de estos músicos puede sentir la oxidación microscópica de los instrumentos, el sudor brotando de sus frentes, el sonido de los dedos pulsando las teclas de los teclados o la sangre fluyendo por las venas del cuello de Noah Lennox al cantar sus enigmáticas voces agudas de acompañamiento. Esa capacidad para excitar la percepción de lo natural a gran escala es lo que, para mí, da credibilidad a un grupo para hablar de temas tan oscuros como ciertos e inevitables como los ingredientes del crecimiento personal de la forma en que lo hacen. En resumen, reconecta con tu instinto, ese que reprimes en una sociedad de plástico y publicidad. Saca un poco más al Animal que llevas dentro.

Fireworks https://youtu.be/ztvr09J7KK4

The Flaming Lips / Yoshimi Battles The Pink Robots

(2002, Warner Bros)
(gen: rock/experimental)

9.2

Cuando no sabemos muy bien cómo explicar lo que llevamos dentro, lo más fácil es recurrir a una metáfora, a una historia cuya moraleja sea la reflexión que queremos transmitir. Con maestría electrónica el grupo norteamericano The Flaming Lips recurría a este método para contar, a través de una historia futurista y apocalíptica, su particular visión de la desentización de la raza humana en medio de la revolución tecnológica, algo a lo que hoy en 2016 parece que nos vamos habituando, pero que en la cultura pop de principios del siglo XXI supuso un shock bastante importante. A través del protagonista de esta novela, Yoshimi, vamos progresando por un recorrido de emociones y sensaciones que no entendemos por culpa del entumecimiento del modo de vida moderno, a la vez que luchamos por reconectar con la faceta olvidada de nuestra propia alma. Los primeros atisbos de confusión llegan en "One More Robot", momento en que nos planteamos si de verdad estamos dando prioridad a aquello que nos hará felices en el plano espiritual frente a aquello a lo que dedicamos nuestros esfuerzos para satisfacer lo material. "Yoshimi Battles The Pink Robots Pt.1" es nuestro alzamiento y nuestra declaración de intenciones, un intento de reordenar nuestras ideas, mientras que la sublime "Ego Tripping At The Gates Of Hell" es una profunda meditación sobre la cantidad de momentos perfectos para ser felices y tomar decisiones trascendentes que, en el pasado, dejamos pasar por nuestra absurda inseguridad, todo bañado en los acordes más elegantes del disco. Finalmente la catarsis filosófica de este Yoshimi Battles The Pink Robots llega en la impactante "Do You Realize?", un corte en el que se nos abre los ojos para ver que, mientras haya vida por delante, hay esperanza para hacer las cosas, sino mejor, un poquito menos peor de como las hemos hecho hasta ahora. Precisamente sobre eso gira este disco, y no precisamente a nivel personal, sino a nivel social, pues... ¿no es cierto que todos podríamos obtener mucho más si saliésemos de nuestra zona de comfort? Ay, cuánto mejor sería este mundo si algún día tuviésemos el valor de hacer ese esfuerzo...

Ego Tripping At The Gates Of Hell https://youtu.be/6tkHIMqN-YM
One More Robot https://youtu.be/NHK9C5cy74c
Yoshimi Battles The Pink Robots Pt1 https://youtu.be/AzlMeTxVdH8

U.S. Girls / Half Free

(2015, 4AD Records)
(gen: rock/electrónica/experimental)

8.4

El curioso caso de Meghan Remy. Yo la definiría como una Cindy Lauper actual, hasta arriba de coca y llena de rencor. Bajo el nombre de U.S. Girls, esta norteamericana crea verdaderas atmósferas de extraña sensualidad sobre las que arroja letras de romances contranatura, memorias oscuras y texturas sonoras poco coherentes pero extraordinariamente atractivas en su último trabajo, Half Free. "Sororal Feelings" abre el tracklist haciendo referencia a un matrimonio entre aparentes hermanos, que más que sangre comparten una extraña afinidad que muchos clasificarían como la propia de las almas gemelas. El sentido de la canción se centra en las desavenencias que eventualmente aparecen entre quienes tanto tienen en común, para así dar fundamento al dicho de que "los polos opuestos se atraen". El corte "Damn That Valley" es el momento patriota que una banda llamada a sí misma U.S. Girls debe presentar para justificar su elección de nombre: una referencia a la batalla de la soledad y la espera que libran las novias de los soldados del país de las barras y estrellas destinados, en defensa de la libertad, en zona de guerra. Obviamente el belicismo se convierte en una metáfora sobre la inexplicable distancia dentro de las parejas en un mundo en que la infidelidad y la falta de confianza en el otro ganan puntos día a día por motivos que no están muy claros. Una incógnita ésta que en veremos cómo a medida que avanza la canción lastra incluso a la salud mental de la propia Remy (que ya de por sí no parece una muchacha muy estable).

Todo este Half Free está ricamente compuesto por estructuras poco convencionales, rozando entre lo psicodélico y el rock y con una riqueza electrónica que eleva al cuadrado el dramatismo de la historias que en él se cuentan. El momento de máximo deleite llega en el penúltimo corte del disco, donde la voz de Remy alcanza y pulveriza su propio record de erotismo y las partituras se vuelven tan intimas como fluidas: "Navy & Cream" es el remate de Half Free, un guiño brutal y perfecto al new wave de los ochenta en términos de estilo, una balada filosóficamente devota al concepto de Carpe Diem.

Navy & Cream https://youtu.be/1ZZ7cRPwFco

Broken Bells / After The Disco

(2014, Columbia)
(gen: rock)

7.1

El segundo disco del proyecto Broken Bells, formado por el vocalista de The Shins James Mercer y el productor Brian Burton (Danger Mouse), rompe con el esquema del álbum predecesor, volviéndose más rock y abandonando el sonido electrónico que protagonizaba aquél LP. Lejos de temas como "The High Road", single principal del disco anterior del grupo, en este After The Disco aparecen cortes como el abstracto "Perfect World" o la deprimida "The Angel And The Fool", que se desmarcan de la media de sus compañeras que, con sus más y sus menos, crean una experiencia monótona donde la canción "After The Disco" se cree mejor de lo que es mientras que el corte "Control" sirve como referencia poco velada a las drogas y al abandono de nuestras esperanzas personales en medio de un trabajo centrado en la vida adulta y la búsqueda de la madurez (algo más duro de lo que parecía allá en la infancia) mientras se dejan atrás la evasión, la fiesta y las experiencias más alocadas.

The Angel And The Fool https://youtu.be/WiZ11V1hsq0
Control https://youtu.be/o0HG0RTyvYo
Perfect World https://youtu.be/SnmzqnJtNb4

Justin Timberlake / Justified

(2002, Jive Records)
(gen: r&b)

7.5

El primer álbum de Justin Timberlake en solitario es la clara frontera entre los dos estilos que han marcado su carrera de cantante: la faceta joven y rebelde del Justin de 'NSYNC y una nueva cara más madura, sobre la que trabajaría con destreza en sus posteriores trabajos. Con más de lo primero que de lo segundo, Justified sin embargo es un paso coherente para Timberlake como artista, y si no resulta en un álbum excelente si que resulta excelente como paso personal de crecimiento para el cantante norteamericano. El disco abre con "Señorita", un sensual juego de acercamiento cargado de toques latinos (primer síntoma de madurez estilística del nuevo Justin) y la estructura tan característica del neo-soul que empezó su desembarco a principios del milenio y continua hoy día brillando como uno de los géneros más influyentes y explotados. La incursión en nuevos senderos por parte de Timberlake a lo largo de Justified, este trabajo que sirve al por aquel entonces veinteañero para encontrarse a sí mismo como (excelente) músico, culmina en "Cry Me A River", una balada melancólica y duramente crítica a partes iguales que va desde lo electrónico a lo soul. Como contraposición absoluta aparece "Rock Your Body", uno de los dances más enigmáticos jamás creados y un buque de fluidez vocal que Justin no superaría hasta "SexyBack". Durante el resto del tracklist Timberlake sigue adelante con su metafase de autodescubrimiento a través de otras aproximaciones al soul en "Nothin' Else" o "Still On My Brain" antes de coquetear con ritmos más tensos en "Let's Take A Ride" y con la intimidad del piano dominante en "Never Again", que cierra el álbum.

El comienzo lógico de una discografía en solitario que sirve para marcar, como un subrayador amarillo, los renglones más importantes a la hora de describir el posterior "carácter Timberlake".

Cry Me A River https://youtu.be/DksSPZTZES0

Rihanna / Anti

(2016, Westbury Road/Roc Nation)
(gen: r&b)

4.0

Llega un punto de saturación tal que, en cierto modo, da igual el resultado de un trabajo. Se trata de entregar el producto antes de la fecha límite y estamparle la firma de rigor para justificar el sobreprecio. La de Barbados lanzaba a principios de año su octavo álbum en el contaba con, oh sorpresa, Drake, ese chaval que está por todos lados últimamente. Generalmente se habla de lo agridulce de dejar atrás la juventud y lo difícil que es, tras una etapa de despreocupación y falta de seriedad, encontrar la estabilidad, tanto emocional ("Kiss It Better" y "Consideration", una canción que no está mal del todo) como económica. A raíz de esto surge una dialéctica sobre el machismo en la economía, y como la dependencia de las esposas del sueldo de su marido las expone a tener que aguantar, en multitud de ocasiones, los malos tratos o sencillamente la pérdida del encanto. Aunque parezca mentira de eso se habla en el vomitivo corte "Work", un dueto con Drake que bucea bien profundo por las aguas de la falta de originalidad y la pérdida de objetivos artísticos para una cantante como Rihanna que, si bien jamás ha relucido como una musa de la poesía, sí que ahondaba más en el léxico en sus primeros trabajos... que te lo has creído.

Deakin / Sleep Cycle

(2016, My Animal Home Records)
(gen: experimental)

8.5

El primer trabajo en solitario de Deakin, uno de los miembros fundadores de Animal Collective, veía la luz por fin en 2016 después de varios años de especulación y ansiedad por parte de los seguidores del artista, rabia incluso para algunos de ellos, que financiaron la tumultuosa producción del disco a través de un crowdfunding bastante polémico.

Si yo hubiese colaborado económicamente a la creación de esta pieza de psicodélia, reconozco que estaría muy satisfecho con el resultado final. Sleep Cycle es una meditación calmada y sincera sobre lo buena que es la vida... pese a todo. El sonido orgánico que inunda la totalidad del disco alcanza su culmen en "Good House", la catarsis en la que Deakin nos abraza y entiende nuestras peculiaridades, aquéllas que el mundo no parece querer respetar. La finalidad de este trabajo es en realidad abrirnos los ojos para hacernos ver que en ser diferente reside la verdadera esencia de la personalidad, y que la paranoica sopa de inseguridades que montamos en nuestra cabeza ("Just Am") no se fundamenta en nada tangible y, de hecho, sólo sirve para alejarnos de la meta que da sentido a la existencia humana: la felicidad.

Just Am https://youtu.be/UmaJTpJpUiU

(algunos de los) Mejores Álbumes de la Primera Mitad de la Década

Tras incontables horas sumergido en los auriculares, alternando álbumes clásicos de Queen, The Beatles o Pink Floyd con lo más novedoso, llega el momento de repasar parte de lo mejor de lo que llevamos de década.

2010

//Arcade Fire: The Suburbs

- Un diario sobre lo oscuro que se vuelve el mundo cuando salimos del barrio de nuestra infancia y nos adentramos en la jungla despiadada de la vida adulta.

· The Suburbs https://youtu.be/5Euj9f3gdyM

//Vampire Weekend: Contra

- La crítica a los prejuicios superficiales en una sociedad cada vez más preocupada por las palabras y las imágenes que por los sentimientos.

· Giving Up The Gun https://youtu.be/bccKotFwzoY

2011

//Foster The People: Torches

- Mark Foster cree que el mejor consejo para sobrevivir felizmente tienes que ser siempre tú mismo... y lo argumenta con maestría.

· Houdini https://youtu.be/_GMQLjzVGfw

//The Antlers: Burst Apart

- El romance interpretado como un juego peligroso donde están en juego tu corazón y tu mente.

· Every Night My Teeth Are Falling Out https://youtu.be/g3KAstxRIZk

2012

//Tame Impala: Lonerism

- Llega un punto en que la soledad difumina sus propias fronteras y pasa de ser frustrante a calmante.

· It Feels Like We Only Go Backwards https://youtu.be/wycjnCCgUes

//Emelí Sandé: Our Version Of Events

- Un análisis sobre las relaciones de pareja y el cáncer de las mentiras.

· Next To Me https://youtu.be/-nwdjQmc_N8

2013

//Vampire Weekend: Modern Vampires Of The City

- La llegada de la madurez es algo para lo que no está preparado nadie, simplemente un día aparece y te abofetea. Te sientes perdido y desorientado, pero tranquilo porque siempre se acaba saliendo adelante.

· Step https://youtu.be/_mDxcDjg9P4

//Arcade Fire: Reflektor

- En algún momento, entre tanta red social y tanta pantalla, perdimos imperdonablemente el lazo que nos unía con lo más humano: el amor. Recuperar ese vínculo es una prioridad antes de que sea demasiado tarde...

· Reflektor https://youtu.be/7E0fVfectDo

2014

//Hozier: Hozier

- Las limitaciones que crea el ser humano para si mismo no son más que el fruto de su propio miedo. Dejar atrás ese miedo es la clave para romper esas falsas cadenas.

· Take Me To Church https://youtu.be/7E0fVfectDo

//OneRepublic: Native

- Ser bueno con quien te ha dado las bofetadas que no merecías es algo que, te garantizo, sólo te convertirá en el tonto de la película.

· Burning Bridges https://youtu.be/8HaU7Lq0tew

2015

//Panda Bear: P.B. Meets The Grim Reaper

- El relato de cómo cambia la vida el convertirse en padre y cómo ver que la historia de la vida se repite y que esta vez tú eres el protagonista.

· Mr Noah https://youtu.be/CmXIIL2tmR8

//Tame Impala: Currents

- Ser feliz es fácil si no te complicas la vida. Pasa un poco de todo.

· The Less I Know The Better https://youtu.be/sBzrzS1Ag_g