viernes, 24 de junio de 2016

Daft Punk / Discovery

(2001, Virgin)
(gen: electrónica)

9.7

A ver si logro haceros entender lo importante que es este disco: si en el siglo XXI existe la distincion más clara entre buen y mal gusto musical de la historia es gracias a Discovery. Eso es así porque en una era donde la toma de poder por la música electrónica es absoluta, no todo vale. Los ritmos machachones y sencillos no caben en la obra maestra de Daft Punk, donde si que caben conceptos como el amor, el atesoramiento de la juventud o la fuerza para superar los retos mientras que el dúo frances lo baña todo en estructuras complejas como nunca se había visto (ni se han visto después) en el house ni en el pop en general. Los efectos vocales están comedidos para encontrar el equilibrio perfecto, como en la brutal "One More Time", mientras que la combinación de sonidos nuevos con los clásicos toma a "Aerodynamic". Con una pobre y ennervante "Superheroes" como único punto flaco, este Discovery cuenta con momentos como la experimental y armoniosa "Veridis Quo" o la enérgica y electrodiscotequera "Crescendolls" que consolidan a Daft Punk como reyes indiscutibles del género. Por encima de todas ellas se encuentra un clásico, una de las mejores canciones de la historia, un espasmo cerebral masivo a favor de la fuerza y la constancia humana, titulado "Harder, Better, Faster, Stronger": todo un recital de adjetivos que no hacen más que describir el éxito y el camino a obtenerlo, sin detenerse a remolonear en que la canción en sí mismo es todo un exponente de ese éxito al que mucho aspiramos.

sábado, 18 de junio de 2016

Madonna / Confessions On A Dance Floor

(2005, Warner Bros)
(gen: dance)

7.4

Madonna, siempre tan polifacetica como polémica, sabe aprovechar su posición en el espacio y el tiempo para explotar al máximo sus cualidades y, tras unos años noventa de sexualidad exarcebada y unos 2000 en su faceta más electrónica, llegaba Confessions con una mezcla entre repaso de su propia trayectoria y gritos de ¡eh, aún me siento joven!. Prueba de ello es la imagen de la artista durante la promoción de este disco: poses provocativas, videos moviditos y una actitud, aunque descarada, firmemente respetable como progreso en su carrera musical, algo remotamente alejado de la lamentable estampa de abuela salidorra que proyecta la norteamericana de cinco años a esta parte, lo que para un servidor ha servido como lápida inamovible a su credibilidad artística (obvio que a esa "marca" de madura pervertida fuera de lugar se suman unos últimos discos aburridos, artificiales e insufribles).
Hablando un poco de Confessions, ahí están "Hung Up", con su sample de ABBA y sus letras sobre la decisión y el lanzarse al vacío, "Sorry" con sus historietas de estrella que lo ha vivido todo y sabe de qué pie cojea cada uno, o la ritmica "Jump", el corte más animado del disco. Al alma electrónica que define el estilo de este disco se le suman letras que, no estando entre lo peor de la cantante, definen muy bien lo que Madonna siente al mirar atrás a sus años de loca loca juventud.


miércoles, 15 de junio de 2016

Radiohead / Hail To The Thief

(2003, Parlophone)
(gen: rock)

8.3

En cierto modo Radiohead nunca ha dejado de ser una banda con alto contenido político. Kid A fue una pancarta política contra la alienación del nuevo modo de vida digital, si bien sus preceptos eran difíciles de absorber debido al alto cripticiscmo que rodeaba a todo el álbum. OK Computer era todo un mazazo antiglobalización y antitecnificación, una distópica reflexión sobre la pérdida del carácter humano de las cosas y de la superficialización extrema de la sociedad con el objetivo de alejarla de cuestiones trascendentales. Sin embargo, ambos discos (sin duda la cumbre de la historia del grupo) estructuraban su crítica en una forma demasiado abstracta, metafísica. Hail To The Thief en cambio era un salto a la yugular del occidente neoconservador, belicista, apático en lo moral, ansioso de beneficios cortoplacistas y placeres personales de la más baja complejidad. En cierto modo Hail To The Thief fue un intento de devolvernos a la realidad que habíamos dejado de lado tras el 11-S, el atentado que entumeció la mente colectiva que, si no tenía poco con los cambios tecnológicos, el problema de la burbuja punto com, la desigualdad y todo el trastorno emocional del cambio de milenio, ahora se enfrentaba también a un supuesto enemigo con turbante en un desierto lejano del que nadie sabía nada, ni siquiera quienes supuestamente manejan los hilos. "2+2=5" es el tema que abre este disco, el martillazo directo a los dientes de quienes se tragaron las excusas gubernamentales para invadir Irak y ser racista (ésta es una opinión de Radiohead), mientras que "There, There" se erige como una oda a la incertidumbre, en todos los aspectos, de los nuevos tiempos. Hail To The Thief es, desde The Bends (1995) y seguramente superando a éste, el disco más rock en términos puros de Radiohead, lo cuál no quiere decir, como siempre con esta banda, que no quepa hueco a la experimentación: "A Punchup At A Wedding" es la rabia contenida del pasivo agresivo que desconfía de todos y de todo en un midtempo genuinamente presidido por el piano en detrimento de la guitarra que protagoniza la mayor parte del álbum. "Myxomatosis" es otro momento de libre albedrío creativo de efectos electrónicos y distorsión sobre los que Thom Yorke habla de la prensa contemporánea como si de un verdadero parásito cerebral se tratase, y es que en la locura politicosocialterroristoeconómica de la primera mitad de los 2000, el papel que jugaba la prensa no sólo fue decisivo a nivel global, sino que desembocó en algunas de las peores decisiones a nivel moral de la mente colectiva de la historia.

miércoles, 8 de junio de 2016

The Killers / Hot Fuss

(2004, Island Records)
(gen: rock)

7.1

Escuchando de nuevo el primer disco de The Killers uno piensa: ¿cómo una banda capaz de hacer un disco como Day & Age puede tener un comienzo tan mediocremente creído?
Es cierto, si volvéis a conectar con Hot Fuss veréis como desde el primer momento un grupo que en aquel momento no era nada, entra a matar de lleno como si ya se supiesen más grandes que los Beatles. Ahí está la vacía "Jenny Was A Friend Of Mine", seguida de "Mr. Brightside", que para ser la segunda canción que el mundo entero ha oído de ti ya transmite cansancio por tu parte, como si emprendieses la búsqueda de la autocomplacencia en un pobre sonido rock estándar. Llegas a "Smile Like You Mean It" y parece que desde el segundo cero de Hot Fuss estás acelerando (aquí incluso se permiten ponerse melancólicos y maduros, mirando a un pasado que aún no ha ocurrido). Llegados a este punto parece que a alguien le salta la alarma interior y, a raíz de "All These Things That I've Done", Brandon Flowers da un volantazo y encarrila la historia hacia un momento más discreto, algo reflexivo, en el que se medita sobre la metamorfosis de las emociones a lo largo de las diferentes edades de uno y la toma, con la madurez, de una conciencia social más alejada del típico egoísmo juvenil. La fantástica "Andy, You're A Star" es la clave experimental de Hot Fuss para la que pido, ahora sí por fin un aplauso: una crítica a la megalomanía inducida en las estrellas modernas gracias al marketing, la publicidad y la excesiva adoración, todo expresado en letras mínimamente expresivas pero cargadas de munición hasta las cejas.
Hot Fuss es un intento de empezar la casa por el tejado que acaba convirtiéndose en una experiencia de la que aprender y en un éxito a la vez, reflejo de la nueva cultura del triunfo rápido y la falta de paciencia que conduce a satisfacciones momentáneas y escasa sabiduría.


All These Things That I've Done https://youtu.be/sZTpLvsYYHw
Andy, You're A Star https://youtu.be/yQtXxgAAXEk

Beach House / Devotion

(2008, Carpark Records)
(gen: rock)

7.4

El segundo trabajo del dúo Legrand-Scally trajo un sonido menos oscuro (no mucho menos, la verdad, sino perderían su encanto) que su predecesor y una visión del romance quizás menos pesimista... a simple vista. Lo que no se perdía desde el primer momento en cambio era esa sensación constante de angustia a causa del incesante vacío que el supuesto amor verdadero no es capaz de llenar. "Wedding Bell" abre el LP como una máscara de ilusión sobre una cara que se sabe muy lejos de la sonrisa sincera. La confirmación de este hecho llega en "Gila", y sin querer dejar de hablar de mascaras, es precisamente en este tema donde la amargada mitad de la pareja desmonta el circo de fachadas repletas de cortesía con las que en mala hora conquistó el corazón de la narradora, quien nos invita a conocer realmente bien a una persona antes de dar el gran paso, ya que aunque para ella y su futuro hijo sea demasiado tarde, aún hay esperanza para nosotros los libres.

lunes, 6 de junio de 2016

Animal Collective / Strawberry Jam

(2007, Domino Records)
(gen: experimental)

9.4

En el álbum más loco, salvaje y a la vez profundo que jamás se ha creado, los de Baltimore contaban en 2007 como la vida nos viene grande cuando maduramos y somos conscientes de todas las exigencias que la vida social y profesional nos arroja sin piedad. Strawberry Jam es un carrusel extremo de sensaciones y momentos aislados que juntos componen la sinfonía propia de la locura que caracteriza a la adultez. "Peacebone" es un psicopático mensaje de esperanza para todos aquellos inseguros abandonados por Cupido, a los que se trata de convencer de que en algún lugar del mundo está nuestra media naranja, tan rara y extraña como encantadora y singular como nosotros, esperando encontrarnos más pronto que tarde. "Unsolved Mysteries" es la parodia de los problemas humanos, la sátira de nuestra propia carrera por solventar nuestros quebraderos de cabeza de la misma forma que los conejos corren tras una zanahoria pegada a su cabeza. El mensaje clave llega en el momento en que se nos hace ver que al otro lado del muro que día a día tratamos de saltar tan sólo se encuentra la paz eterna, y por eso el mensaje de Portner es: eh, tranquilo, al final del viaje sólo está la muerte, así que limítate a disfrutar del camino".
Bajo un cielo más íntimo, "For Reverend Green" remata la idea vitalista de "Unsolved Mysteries" añadiendo una aclaración que pocas veces tomamos en consideración, y es que lo que nos depara el futuro es tan incierto que, de no disfrutar el presente y las oportunidades que éste nos brinda y que son irrepetibles, estaríamos cometiendo un pecado imperdonable. Siendo difícil para una canción destacar entre tantos grandes momentos en este cuaderno de apuntes que es Strawberry Jam, "Fireworks" lo consigue y se erige como elemento central del trabajo de Animal Collective. Con una percusión siempre al borde de la ruptura pero con un ritmo moderado, estamos en el tono adecuado para hablar de lo infravalorado que tenemos a los pequeños momentos que construyen lo que los humanos definimos como la verdadera felicidad, frente a lo sobrevalorado que tenemos a la rutina, las obligaciones y las ralladas mentales. Si fuésemos capaces de dar la vuelta a ese equilibrio de la forma en que estos norteamericanos nos cantan en este profundo tema, la naturalidad con la que las sonrisas brotarían de nuestras caras dejaría pasmado al otro lado de nuestra persona, al Yo antipático y aburridamente maduro, responsable y cerebral.
Sonoramente siempre he creído que Animal Collective es, pese a su espíritu electrónico (mayormente en los últimos trabajos de la banda), una de las formaciones con el sonido más orgánico de cuantas han existido: si uno afina sus cinco sentidos mientras oye el trabajo de estos músicos puede sentir la oxidación microscópica de los instrumentos, el sudor brotando de sus frentes, el sonido de los dedos pulsando las teclas de los teclados o la sangre fluyendo por las venas del cuello de Noah Lennox al cantar sus enigmáticas voces agudas de acompañamiento. Esa capacidad para excitar la percepción de lo natural a gran escala es lo que, para mí, da credibilidad a un grupo para hablar de temas tan oscuros como ciertos e inevitables como los ingredientes del crecimiento personal de la forma en que lo hacen. En resumen, reconecta con tu instinto, ese que reprimes en una sociedad de plástico y publicidad. Saca un poco más al Animal que llevas dentro.

sábado, 4 de junio de 2016

The Flaming Lips / Yoshimi Battles The Pink Robots

(2002, Warner Bros)
(gen: rock/experimental)

9.2

Cuando no sabemos muy bien cómo explicar lo que llevamos dentro, lo más fácil es recurrir a una metáfora, a una historia cuya moraleja sea la reflexión que queremos transmitir. Con maestría electrónica el grupo norteamericano The Flaming Lips recurría a este método para contar, a través de una historia futurista y apocalíptica, su particular visión de la desentización de la raza humana en medio de la revolución tecnológica, algo a lo que hoy en 2016 parece que nos vamos habituando, pero que en la cultura pop de principios del siglo XXI supuso un shock bastante importante. A través del protagonista de esta novela, Yoshimi, vamos progresando por un recorrido de emociones y sensaciones que no entendemos por culpa del entumecimiento del modo de vida moderno, a la vez que luchamos por reconectar con la faceta olvidada de nuestra propia alma. Los primeros atisbos de confusión llegan en "One More Robot", momento en que nos planteamos si de verdad estamos dando prioridad a aquello que nos hará felices en el plano espiritual frente a aquello a lo que dedicamos nuestros esfuerzos para satisfacer lo material. "Yoshimi Battles The Pink Robots Pt.1" es nuestro alzamiento y nuestra declaración de intenciones, un intento de reordenar nuestras ideas, mientras que la sublime "Ego Tripping At The Gates Of Hell" es una profunda meditación sobre la cantidad de momentos perfectos para ser felices y tomar decisiones trascendentes que, en el pasado, dejamos pasar por nuestra absurda inseguridad, todo bañado en los acordes más elegantes del disco. Finalmente la catarsis filosófica de este Yoshimi Battles The Pink Robots llega en la impactante "Do You Realize?", un corte en el que se nos abre los ojos para ver que, mientras haya vida por delante, hay esperanza para hacer las cosas, sino mejor, un poquito menos peor de como las hemos hecho hasta ahora. Precisamente sobre eso gira este disco, y no precisamente a nivel personal, sino a nivel social, pues... ¿no es cierto que todos podríamos obtener mucho más si saliésemos de nuestra zona de comfort? Ay, cuánto mejor sería este mundo si algún día tuviésemos el valor de hacer ese esfuerzo...
Ego Tripping At The Gates Of Hell https://youtu.be/6tkHIMqN-YM
One More Robot https://youtu.be/NHK9C5cy74c
Yoshimi Battles The Pink Robots Pt1 https://youtu.be/AzlMeTxVdH8

miércoles, 1 de junio de 2016

U.S. Girls / Half Free

(2015, 4AD Records)
(gen: rock/electrónica/experimental)

8.4

El curioso caso de Meghan Remy. Yo la definiría como una Cindy Lauper actual, hasta arriba de coca y llena de rencor. Bajo el nombre de U.S. Girls, esta norteamericana crea verdaderas atmósferas de extraña sensualidad sobre las que arroja letras de romances contranatura, memorias oscuras y texturas sonoras poco coherentes pero extraordinariamente atractivas en su último trabajo, Half Free. "Sororal Feelings" abre el tracklist haciendo referencia a un matrimonio entre aparentes hermanos, que más que sangre comparten una extraña afinidad que muchos clasificarían como la propia de las almas gemelas. El sentido de la canción se centra en las desavenencias que eventualmente aparecen entre quienes tanto tienen en común, para así dar fundamento al dicho de que "los polos opuestos se atraen". El corte "Damn That Valley" es el momento patriota que una banda llamada a sí misma U.S. Girls debe presentar para justificar su elección de nombre: una referencia a la batalla de la soledad y la espera que libran las novias de los soldados del país de las barras y estrellas destinados, en defensa de la libertad, en zona de guerra. Obviamente el belicismo se convierte en una metáfora sobre la inexplicable distancia dentro de las parejas en un mundo en que la infidelidad y la falta de confianza en el otro ganan puntos día a día por motivos que no están muy claros. Una incógnita ésta que en veremos cómo a medida que avanza la canción lastra incluso a la salud mental de la propia Remy (que ya de por sí no parece una muchacha muy estable).
Todo este Half Free está ricamente compuesto por estructuras poco convencionales, rozando entre lo psicodélico y el rock y con una riqueza electrónica que eleva al cuadrado el dramatismo de la historias que en él se cuentan. El momento de máximo deleite llega en el penúltimo corte del disco, donde la voz de Remy alcanza y pulveriza su propio record de erotismo y las partituras se vuelven tan intimas como fluidas: "Navy & Cream" es el remate de Half Free, un guiño brutal y perfecto al new wave de los ochenta en términos de estilo, una balada filosóficamente devota al concepto de Carpe Diem.